viernes, 14 de junio de 2019

CD 229 – Mujeres de Pie


Resistencias de las Mujeres a la Ofensiva Extractivista

La Biblioteca Parlante de Distribución Nacional “Mirá lo que te Digo” presenta esta insoslayable Serie de Documentales Sonoros sobre el rol de la mujer en las zonas arrasadas por la explotación petrolera.

Estas piezas son parte de los relatos que el Equipo de Investigación de la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional del Comahue: Resistencias de las Mujeres a la Ofensiva Extractivista construyó desde la voz de las mujeres de la Ciudad de Allen (Provincia de Río de Negro) durante el trabajo de campo realizado entre 2017 y 2018. La edición estuvo a cargo del Centro de Producciones Radiofónicas (CPR) y la producción de EJES, Enlace para una Justicia Energética y Socioambiental.

Estos Micro Documentales Sonoros hoy llegan a ustedes para que, a través de sus voces, aparezca el eco que revertirá este duro presente. Y nos lleve a construir un futuro mejor.

Sienta la libertad de compartirlos y distribuirlos.

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En los últimos años, los conflictos socioambientales se extendieron y profundizaron en América Latina. La localidad de Allen, en la provincia argentina de Río Negro, es un caso paradigmático. Pone en evidencia los efectos de las prácticas extractivas como el fracking en la vida de las poblaciones. El extractivismo, como régimen, somete a todos los ámbitos de la vida humana a la lógica del mercado y la propiedad privada. Por su cercanía a las actuales perforaciones, barrios rurales de Allen como Costa Blanco y Calle 10 son testimonios de estos despojos.

Las afectaciones que produce el extractivismo en los territorios van cada vez más lejos. El uso de métodos violentos para la obtención de los recursos hidrocarburíferos es el comienzo, pero vemos cómo se generan despojos múltiples. Todo aquello que se produce en entramados comunitarios o a través de los vínculos: lazos territoriales de vecindad, producción alimentaria o solidaridades.

El trabajo de cuidado necesario para hacer posible la vida se ve aumentado considerablemente frente a estas afectaciones. En el Heterocapitalismo este trabajo se encuentra invisibilizado en la economía, privatizado en los hogares y feminizado. Esto conlleva un mayor impacto para las mujeres habitantes de los barrios cercanos a los pozos.

Cotidianidades trastocadas por la invasión del fracking tienen como protagonistas de las resistencias a las mujeres que desnaturalizan y con sus relatos disputan sentidos sobre el extractivismo.




Ficha Técnica:

“Resistencias de las Mujeres a la Ofensiva Extractivista en Territorios Arrasados” es una edición de Micro Documentales Sonoros realizado por el Centro de Producciones Radiofónicas (CPR), la producción de EJES, Enlace para una Justicia Energética y Socioambiental y el Equipo de Investigación de la Facultad de Derecho y Ciencicas Sociales de la Universidad Nacional delComahue: Resistencias de las Mujeres a la Ofensiva Extractivista 

martes, 28 de mayo de 2019

CD 228 – Con Voz Propia: Gabriel García Márquez: El Alquimista de las Palabras


Del oficio y otras yerbas

- “He explicado muchas veces, en torno a Cien años de soledad, qué papel juega esta última palabra... Es la soledad de América latina. En la obra sólo quise dejar una constancia poética del mundo de mi infancia, que transcurrió en una casa muy grande, muy triste, con una hermana que comía tierra y una abuela que adivinaba el porvenir.”
- “Yo no escribo poesía, pero intento dar soluciones poéticas a todo lo que escribo.”
- “Dicen que soy un mafioso, porque mi sentido de la amistad es tal que resulta un poco el de los gangsters: por un lado mis amigos, y por otro el resto del mundo, con el que tengo muy poco contacto.”
- “De niño, antes de saber escribir, dibujaba historias.”
- “Hablo siempre como latinoamericano. No soy muy consciente de representar una cultura universal, como a veces me reclaman.”
- “El problema de la novela es la credibilidad. El escritor tiene derecho a decir todo lo que quiera siempre y cuando lo haga creíble. Mi interés primordial es agarrar al lector por el cuello desde el principio y no soltarlo hasta el final.”
- “Entre el reportaje y la novela los límites nunca están muy claros.”
- “Ante esta realidad sobrecogedora (la de América latina) que a través de todo el tiempo humano debió parecer una utopía, los inventores de fábulas que todo lo creemos nos sentimos con el derecho de creer que todavía no es demasiado tarde para emprender la creación de la utopía contraria. Una nueva y arrasadora utopía de la vida, donde nadie pueda decidir por otros hasta la forma de morir, donde de veras sea cierto el amor y sea posible la felicidad, y donde las estirpes condenadas a cien años de soledad tenga por fin y para siempre una segunda oportunidad sobre la Tierra” (En su discurso de aceptación del Premio Nobel).
- “Muchos elementos de mi vocación literaria proceden de mi padre. Los amores de mis padres inspiraron El amor en los tiempos de cólera.”
- “Del periodismo me ha venido lo mejor que tengo: mi conciencia política.”


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En amplia conversación con Ernesto McCausland, Gabriel García Márquez discurre sobre su Caribe natal y vital. Fuente: Fundación Ernesto McCausland


En los archivos de la memoria audiovisual colombiana, se encuentran gemas como esta entrevista realizada a Gabo a finales de los setenta. Fuente: INRAVISION/Señal Colombia/2002.

Gabriel García Márquez conversa sobre sus novelas, la literatura y el cine latinoamericano basado en su obra. Fuente: "Tales Beyond Solitude", documental dirigido por Holly Aylett y producido por Sylvia Stevens Released (1989).


Este material se produjo para Televisión Nacional de Chile, el canal estatal, en 1971. En un esfuerzo por llevar cultura a los hogares chilenos, reunieron en Paris a estas dos leyendas de la literatura universal. El periodista que presenta este programa es nada menos que Augusto Olivares, quien trabajó para la revista chilena "Punto Final" del cual fue fundador, y como director de prensa de Televisión Nacional de Chile durante el gobierno de Salvador Allende, de quien fue asesor y compañero. El "Perro" Olivares, como cariñosamente le apodaban, se suicidó junto al presidente Allende el mismo día del bombardeo a La Moneda.


Esta producción fue realizada en 2014 por el Canal Once TV de México. Además de recopilar archivo sonoro y visual de Gabo, con sus testimonios participan Martha Confield (Poeta y Traductora), Carlos Fuentes (Escritor), Lisandro Luque  (Cineasta Mexicano),  Guillermo Angulo (Cineasta), Eligia García Márquez  (Hermana de Gabriel), Jorge Ruiz Dueñas (Poeta), Jaime Labastida (ExPresidente de la Academia Mexicana de la Lengua), Jaime García Márquez (Hermano de Gabo), Jacobo Zabludovsky (Periodista), Jaime Abello (ExDirector de la Fundación para el Nuevo Periodismo Iberoamericano) y Miguel de la Cruz (Periodista)

martes, 14 de mayo de 2019

CD 227 – Un Debate Que No Cesa: ¿De Quién es la Lengua?


Nos Queda la Palabra

Por Adriana Santa Cruz

Durante cuatro días, del 27 al 30 de marzo, Córdoba fue sede del VIII Congreso Internacional de la Lengua Española, que dio pie a más de una polémica relacionada con cuestiones políticas, sociales, lingüísticas e ideológicas. Ya desde el discurso de apertura, surgieron diferentes voces de distintos sectores que, más allá de las críticas, sirvieron para poner en discusión temáticas relacionadas con nuestro idioma.

Como siempre, lo que importa es lo que queda después de un evento de estas características, y en este caso la palabra circuló en charlas, ponencias, mesas redondas, pero también en entrevistas que los diferentes medios les hicieron a los protagonistas. Y esa palabra, además, fue combativa y disidente, ya que hubo algunos invitados que se negaron a asistir, pero otros prefirieron hacerlo y expresar sus diferencias.

En Leedor, compartimos fragmentos de Claudia Piñeiro, que participó en el panel “El valor del español como lengua de culturas. Literatura, oralidad, folclore”, y de María Teresa Andruetto, cuyo discurso cerró el Congreso.

“La voz de la impotencia”, Claudia Piñeiro

«A esta altura de nuestra historia en común hay que reconocer que la lengua española funcionó como amalgama, permitió contar historias y tradiciones, así como posibilitó recibir historias del otro lado del mar. Sin embargo, en el origen, quinientos años atrás, hay un hecho histórico, descriptivo, que no sería honesto soslayar: el español fue, en el origen, la lengua del conquistador. La lengua española en las Américas es una lengua impuesta. Que eso haya pasado hace más de cinco siglos atrás y que hoy podamos decir que hemos constituido una cultura iberoamericana en común no hace desaparecer aquel origen, aquel acto fundacional del uso de la lengua española en Latinoamérica.

(…) Hoy, siglo XXI, disfrutamos el uso de esta lengua en la literatura, en la oralidad, en el folclore. Pero aun así existen marcas de aquella fundación, una cierta resistencia ancestral sigue haciendo eco en los usos y particularidades de la lengua en cada uno de los distintos lugares donde se la habla. La lengua de todos nosotros, el español que armamos entre todos, es suma, es riqueza en la diferencia, es compartir, pero también, en América, es la consciencia plena de aquel origen.

Poner sobre la mesa esta cuestión cuando hablamos de la lengua que compartimos creo que nos hará bien a todos (…) Soy escritora, y como dijo Reynaldo Arenas, los escritores estamos encaprichados en ponerle palabras al silencio, a los silencios actuales y a los anteriores, incluso a los que vienen desde quinientos años atrás.

En el 2019, me resulta imposible no hacer un paralelismo entre una lengua que quiere imponerse sobre otras habladas en un territorio dominado y la férrea oposición de muchos a que la lengua se modifique adoptando los usos que introdujo la perspectiva de género. De nada sirve ni oponerse ni tratar de imponer un lenguaje atravesado por la realidad: la lengua está viva y siempre será con el tiempo lo que el uso determine. No sabemos hoy si el lenguaje inclusivo terminará siendo adoptado por la lengua española, lo sabremos en el futuro. Pero muchos de los que están en contra del uso del lenguaje con perspectiva de género argumentan desde el lugar de una supuesta superioridad, con subestimación y algo de prepotencia. Casi como el conquistador que está imponiendo sus reglas en otro territorio. Y en este caso y en este siglo el territorio no es geográfico sino humano: la mujer y los géneros no binarios».

Discurso de Cierre del Congreso de la Lengua, María Teresa Andruetto

«… estoy aquí como escritora y el lugar de quien escribe es, en lo que respecta a la lengua, un lugar de desobediencia, de disenso. En nombre de ambas cosas digo estas palabras.

La primera cuestión tiene que ver con el nombre mismo del Congreso, llamado aquí -y es al menos curioso que la contraparte nacional se haya llegado a esa denominación- Congreso de la Lengua Española, porque para nosotros, para nuestro sistema educativo, la academia, la alta cultura y la cultura popular, esta lengua en la que aquí hablo siempre ha sido la lengua castellana.

Así llegó América, con la conquista y con la iglesia, la lengua de Castilla y fue esa lengua y no otras que se hablaban o se hablan en España como la que se impuso –no sin dolor, no sin lucha, no sin resistencia– sobre las lenguas originarias.

Esto nos lleva a preguntarnos de quién es la lengua, quién le da el nombre y quiénes reconocen su lengua en ese nombre. Aunque en las previas a este Congreso se ha insistido en la idea de que la lengua es de todos sus hablantes, en la amplia procedencia geográfica de los ponentes y en la alta presencia de mujeres en las mesas, me pregunto si esa que se dice de todos es la misma lengua; en caso de serlo, quiénes son sus dueños y atendiendo a que una lengua con tantos hablantes, además de un capital simbólico es un capital económico, quiénes hacen usufructo de ella. Desde Madrid, el ministro de Educación de la Provincia, a la pregunta de un periodista acerca de ciertos contenidos, reconoció que ni la parte argentina ni la cordobesa intervienen en la elección del temario.

Es la Real Academia, dice. A su vez, el director de la Real Academia, remarcó la importancia de estos congresos con la frase: “Durante unos días, se tratará de ponerle voz española a los asuntos que nos ocupan a todos, tal vez sin tener dimensión de lo que la frase “voz española” significa aquí, para nosotros.

Entonces, no debiéramos desentendernos de ciertas preguntas, aunque incomoden. Preguntas como: ¿Para qué un congreso en estas pampas sin intervención local sobre sus contenidos? ¿Es la lengua de España la misma que se habla en América? ¿El muy diverso castellano de cada uno de nuestros países es la misma lengua española de la que el Congreso habla? Y finalmente, porque estamos en Argentina, ¿se trata de la misma lengua que aquí se habla?

(…) El interés por la gramática trasunta el interés por la conservación del espacio público, dice la colombiana Carolina Sanín. ¿Sin leyes seríamos más libres? Necesitamos instituciones reguladoras pero necesitamos también que esas instituciones nos representen de una manera más justa, porque una lengua –que por cierto es mucho más que sus reglas– vive en las bocas de sus hablantes y es asombrosa la velocidad con que lo vivo deviene en frase hecha, en palabra muerta, en clisé».

Queda entonces mucho para seguir pensando y debatiendo porque la palabra sigue siendo la mejor manera que tenemos para comunicarnos, y como dice María Teresa Andruetto al finalizar su discurso, en la lengua es donde “nuestros recuerdos toman vida propia, en la que podemos razonar y conmovernos, conocer y cuestionarnos, aprender e imaginar, hasta que lo nombrado adquiera vida propia. Porque, como en la parábola que relata Gershom Scholem, aunque no sepamos encender el fuego ni encontrar aquel lugar en el bosque, ni seamos ya capaces de rezar, podemos seguir contándonos unos a otros nuestras historias y la Historia. Perder eso sería perdernos, sería una nueva forma de barbarie”.


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domingo, 28 de abril de 2019

CD 226 – Eduardo Galeano “Amares” (II)


Ellos son dos por error que la noche corrige.

(Los Amantes)

(Fuente: Eduardo Galeano. Amares. Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores. Argentina, 2018)

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Producción General y Edición: Blanca Curia

viernes, 12 de abril de 2019

CD 225 - Calles de Rock (II)


Rock is Here, El Podcast

Estos podcasts te invitan a recorrer la ciudad de Londres, pero desde una perspectiva rockera, visitando los lugares emblemáticos relacionados con la historia de los principales artistas del género.  

La conducción está a cargo del coleccionista Marcelo Lamela, quien te acompañará en este paseo por la capital inglesa, donde los grandes artistas grabaron sus principales discos, donde compusieron sus hits más destacados, donde se conocieron algunos de esos músicos que formarían los grupos referentes de tantas generaciones. Los inicios de Led Zeppelin, Pink Floyd, Sex Pistols y The Rolling Stones; los lugares fundamentales del Britpop; la casa en la que Freddie Mercury vivió sus últimos años o aquella en la que Paul McCartney soñó “Yesterday”; el callejón donde David Bowie se fotografió para la tapa de “Ziggy Stardust”; o el club donde Jimi Hendrix dio su última presentación. Cada rincón de Londres tiene un secreto musical y cada podcast los descubre uno a uno.

Estas piezas radiofónicas constituyen la adaptación del libro “Londres, la guía definitiva para conocer los lugares históricos del rock”, que Lamela editó en 2016.

Marcelo Lamela nació en Buenos Aires pero está instalado en Londres, donde organiza tours temáticos por estos lugares emblemáticos.

La producción de estos episodios está a cargo de Rock.com.ar, una web pionera en Argentina dedicada al rock que ya cumplió 22 años online y edita podcasts desde el 2002.


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Hoy, en Rock is Here, vamos a visitar el Studio 51, donde entre otras cosas, John y Paul guiaron a The Rolling Stones hacia su primer éxito comercial.
El Studio 51 es un club que estaba ubicado en el centro del Soho londinense, a la vuelta de la estación Leicester Square de las líneas Northern y Piccadilly del subte.
También se lo conoce como Ken Colyer’s Jazz Club, en homenaje a un trompetista inglés de jazz. En éste lugar sucedieron en 1963 dos hechos fundamentales para el rock. 
Un joven Eric Clapton, de apenas 18 años, asumió la guitarra al frente de los Yardbirds y debutó en vivo en el escenario del Studio 51, en octubre de 1963.
También, por ese entonces, el productor Giorgio Gomelsky daba sus primeros pasos como manager de los Yardbirds. Gomelsky era el dueño de otro club histórico, el Crawdaddy de Richmond, un suburbio londinense. Allí tocaban como banda residente Los Rolling Stones.
Y hablando de Los Stones ... La banda de Jagger y Richards también se presentaban constantemente en el Studio 51. Cuenta Andrew Loog Oldham, el manager de aquél momento, que luego de editar su primer simple no tenía en claro por dónde llevarlos. En medio de un ensayo, Oldham salió a la calle para despejarse de tanta frustración y justo se cruzó con Lennon y McCartney que bajaban de un taxi. Ya había trabajado con ellos anteriormente, en tareas de promoción de Los Beatles, y eso lo animó a contarles la situación. En esa charla les confesó que no tenían ni siquiera definido cuál sería su siguiente simple para grabar ... 
Recuerda Oldham que John y Paul lo acompañaron de regreso al ensayo y, una vez en el Studio 51, guitarra acústica en mano, les cantaron “I wanna be your man”. Un par de meses más tarde, el 1º de noviembre, Los Stones la lanzaban como simple y se convertía en el primer gran éxito del grupo, cuando alcanzó el puesto número 12 en el ranking británico.
La versión de Los Beatles fue incluida en su segundo disco, “With the Beatles”, cantada por Ringo Starr. Fue editado el 22 de noviembre de 1963, apenas tres semanas después del simple de Los Stones.
Luego de esa experiencia, Oldham comenzó a insistirles a Jagger y Richards para que siguieran el ejemplo y comenzaran a componer canciones propias. De a poco, Mick y Keith fueron aprendiendo.
Final del episodio de hoy. Para la despedida, el simple “I wanna be your man”, de Lennon y McCartney, en la versión de Los Rolling Stones.
Las canciones incluidas son: “I wanna be your man”, The Beatles; "Goin' Home", Ken Colyer; "Louise", The Yardbirds con Eric Clapton, en vivo en 1964; “Come on”, The Rolling Stones; "Tell Me (You're Coming Back)", The Rolling Stones; “Stoned”, The Rolling Stones“I wanna be your man”, The Rolling Stones.


En este episodio de Rock is here visitamos La Chasse, el club privado donde se plantó la semilla que creció hasta formar Yes.
El famoso Marquee Club de Londres funcionó por casi 25 años en el 90 de la Wardour Street, en el Soho. Por su escenario pasaron las principales bandas inglesas de los '60s, cuando aún eran prácticamente desconocidas. Por ejemplo, Los Rolling Stones, Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, Jethro Tull...
Pero el gran problema de este club es que no tenía permitida la venta de alcohol. Entonces a su dueño, Jack Barrie, se le ocurrió la idea de abrir un club privado en el piso de arriba, que tenía su entrada por el 100 de la calle Wardour. En La Chasse se reunían productores, personal de los estudios, técnicos de grabación, algunas groupies ... y los mismos músicos.
Cuentan que era habitual encontrar bebiendo en ese lugar medio oscuro a Robert Plant, David Bowie, Phil Collins o a Ian Anderson, por ejemplo. Antes y después de los shows del Marquee. La Chasse se llenaba de gente y de humo, por los cigarrillos que todos fumaban. Incluso alguno dice recordar a Keith Moon saliendo por la ventana y trepando a los tejados desde la oficina de Los Who, que estaba a la vuelta, en Old Crompton Street. Pero con tanto alcohol y demás sustancias que corrían por ahí, es algo que resulta totalmente incomprobable.
Lo que sí es seguro es que en este club privado trabajaba Jon Anderson sirviendo tragos, cuando Anderson cantaba con su banda The Warriors. Una de tantas noches de 1967 alguien le presentó a un tal Christopher Squire. No queda claro si fue el tecladista de los Warriors o Jack Barrie, el dueño del Marquee, pero por caso no interesa: lo importante es que Jon y Chris forjaron una amistad que desembocaría en la principal banda de rock sinfónico progresivo de todos los tiempos: Yes.


En este episodio vamos a visitar el estudio fotográfico donde se creó una de las tapas más emblemáticas en la historia del rock: Sgt. Pepper’s.

En el número 1 de Flood Street, a pocos metros de la esquina con la famosa King’s Road, hay un edificio de dos plantas y ladrillo a la vista. Ahí funcionaba el Chelsea Manor Studios, donde el fotógrafo Michael Cooper realizó la sesión fotográfica para la tapa del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de Los Beatles.

En esa célebre portada, como recordarás, hay más de 70 personajes históricos, que van desde los propios Fab 4 en estatuas de cera hasta figuras de Marilyn Monroe, pasando por William Burroughs, Marlon Brando, James Dean, Edgar Allan Poe o Bob Dylan, entre muchos otros.

Pero además, esa tapa despertó muchas controversias. Por ejemplo, los trajes militares que visten John, Paul, George y Ringo fueron diseñados por los propios Beatles, según declaró McCartney. Sin embargo, también se los adjudicó Manuel Cuevas, el famoso diseñador mexicano requerido por músicos, artistas y actores.

Como fuera, el collage fue ideado por Los Beatles y diseñado por Peter Blake y su esposa Jann Haworth. Cuentan que tardaron ocho días en preparar y montar todo, para que finalmente la sesión fotográfica tuviera lugar la noche del 30 de marzo de 1967.

Incluso, hay personajes que fueron eliminados de la foto cuando se hizo el diseño final de la portada del disco: Mahatma Gandhi (retirado ante el temor que fuera rechazado en la India), la imagen de Jesucristo (borrada luego de los comentarios de John sobre que ellos eran más populares) y Adolf Hitler (incluido originalmente a pedido de John por ser uno de los personajes más importantes del Siglo XX).

Por supuesto que éste fue el trabajo más importante de Michael Cooper, conocido como "el fotógrafo de los rockstars".

Cooper trabajaba en revistas como Vogue y Vanity Fair, pero paralelamente retrató la creatividad, la locura y los excesos de los ‘60s. Acompañó a Los Stones en muchísimas de sus giras y se hizo amigo de Brian Jones y Keith Richards.

Cooper cayó en una profunda depresión y se suicidó en 1973 a los 32 años, con una sobredosis de heroína. Le dejó a Adam, su hijo, una carta en la que pedía "comprensión", además de unos 70mil negativos. Entre todo ese material, encontró 3.500 fotos de Los Rolling Stones. Curó ese material y editó el libro "Early Stones", que incluye un prólogo de Keith Richards.

Tras su muerte, Lennon destacó su trabajo: "De todos los fotógrafos que existen, Michael ha sido por lejos el que mejor documentó esa magnífica década, y quien entendió realmente qué significaron aquellos años sesenta y aquellos juveniles sueños de futuro".


King’s Road es la calle más importante de Chelsea y de Fulham, dos barrios exclusivos del oeste londinense. Es una zona elegante, con tiendas de alta moda frecuentadas por la nobleza y por las estrellas del mundo del espectáculo. Ahí, en el 430, está la boutique que fuera propiedad de Malcolm McLaren, músico y empresario, manager de Los Sex Pistols.
Ese local, que aún pertenece a su viuda Vivienne Westwood, era frecuentado por el trío The Strand: Steve Jones en voz, Paul Cook en batería y Wally Nightingale en guitarra.
La boutique se llamaba Too fast to live, too young to die y vendía ropa fetichista, casi sadomasoquista. Poco a poco se fue transformando en un exitoso local de ropa más rockera, el prototipo del punk.
Llegó 1975, con varios cambios. La tienda se rebautizó como SEX y el trío The Strand modificó totalmente su formación. McLaren, ya como manager de la banda, impuso a Glen Matlock como bajista. Lo curioso es que Matlock era empleado de la boutique, como también lo fue su reemplazante, Sid Vicious.
Faltaba encontrar al cantante. Y fue un asistente de McLaren (futuro manager de The Clash) quien sugirió probar a un chico de apenas 19 años que frecuentaba el negocio. Según relatan, siempre andaba con una remera muy gastada, toda rota, y con un pin que decía “I hate Pink Floyd”. Lo convocaron a una audición, pese a que nunca había cantado en público. Y el resultado, como era de esperar, no fue muy bueno. Pero tenía el pelo teñido de verde y mucha actitud. Su nombre: John Lydon; rebautizado Johnny Rotten (por lo podrida que tenía su dentadura).
El resto de la historia es conocido: Rotten se transformó en un gran frontman y, sobre todo, en un extraordinario letrista y sus canciones encabezaron la crudeza del movimiento.
Para visitar hoy el lugar podés llegar en subte, con la línea District, la verde, y bajarte en la estación Fulham Broadway. A pocas cuadras vas a distinguir el reloj que está en el frente del local y que tiene una particularidad: sus agujas giran en sentido contrario a los relojes convencionales.
Nos despedimos con “Anarchy in the UK”, el primer simple de Los Sex Pistols, lanzado a finales de 1976 e incluído en el único álbum oficial de estudio. Porque otra particularidad de esta banda es que esa primera etapa que los convirtió en emblema del rock mundial duró apenas dos años y medio.


En este episodio de Rock is Here te propongo caminar por una calle que es sinónimo de la moda joven londinense, donde se lució el Swinging de los 60’s y el movimiento Mod: Carnaby Street.
La cultura rock y la Carnaby Street tienen mucha relación. Por la zona estaban los principales clubes, como el Marquee. Y muchos músicos compraban ahí la ropa que después lucirían arriba del escenario y que sería imitada por los fans. Y no solamente para comprar: algo que todavía es habitual, muchas bandas de rock son invitadas para tocar dentro de las tiendas, como parte del trabajo promocional de las marcas.
Si vas en subte tenés que bajarte en la estación Piccadilly Circus, de las líneas Bakerloo o Piccadilly. Carnaby es paralela a Regent Street, una de las principales calles de Londres. Y al ser peatonal, tan activa, repleta de negocios por lo general de ropa muy original, se ha convertido en un pequeño complejo de compras, de varias manzanas de longitud.
Si hacés memoria, vas a recordar que Carnaby Street es nombrada en muchas canciones. Algunas bandas relacionadas con esta calle son Los Rollings Stones; U2 grabó parte de su videoclip “Even better than the real thing” en 1991; The Small Faces tienen su plaqueta recordatoria en el frente de un negocio en el que trabajaron en los ‘60s ... también por acá trabajó Neil Peart, el baterista de Rush; The Kinks hacen referencia a ella en la canción “Dedicate Follower of Fashion”... y The Jam compuso una canción bautizada, justamente, “Carnaby Street”.
Y quizás la referencia más popular en la actualidad sea la esquina de Carnaby con Beak Street. Ahí está instalado el negocio de ropa Pretty Green, propiedad de William John Paul Gallagher, más conocido artísticamente como Liam Gallagher, uno de los frontman más carismáticos de los últimos tiempos. Vale remarcar también que “Pretty Green” se llama el tema que abre el álbum “Sound Affects”, de The Jam, compuesto por Paul Weller. Y el mismo Weller fue en su momento convocado por Liam como modelo de una línea exclusiva de ropa muy elegante.
Muchos fanáticos esperan en la puerta del local, con la esperanza de encontrarse con el malhumorado hermano Gallagher visitando su negocio. Y, en todo caso, se conforman sacándose fotos junto a las vidrieras de esa esquina, ya que el ex cantante de Oasis es la cara visible de su propia marca.
Las canciones incluidas son: “Pretty Green”, The Jam."Lazy Sunday Afternoon", The Small Faces. "Finding my way", Rush. "Dedicate Follower of Fashion", The Kinks. “Carnaby Street”, The Jam."D'You Know What I Mean", Oasis. "Wall Of Glass", Liam Gallagher.

viernes, 29 de marzo de 2019

CD 224 Calles de Rock (I)


Rock is Here, El Podcast

Estos podcasts te invitan a recorrer la ciudad de Londres, pero desde una perspectiva rockera, visitando los lugares emblemáticos relacionados con la historia de los principales artistas del género.  

La conducción está a cargo del coleccionista Marcelo Lamela, quien te acompañará en este paseo por la capital inglesa, donde los grandes artistas grabaron sus principales discos, donde compusieron sus hits más destacados, donde se conocieron algunos de esos músicos que formarían los grupos referentes de tantas generaciones. Los inicios de Led Zeppelin, Pink Floyd, Sex Pistols y The Rolling Stones; los lugares fundamentales del Britpop; la casa en la que Freddie Mercury vivió sus últimos años o aquella en la que Paul McCartney soñó “Yesterday”; el callejón donde David Bowie se fotografió para la tapa de “Ziggy Stardust”; o el club donde Jimi Hendrix dio su última presentación. Cada rincón de Londres tiene un secreto musical y cada podcast los descubre uno a uno.

Estas piezas radiofónicas constituyen la adaptación del libro “Londres, la guía definitiva para conocer los lugares históricos del rock”, que Lamela editó en 2016.

Marcelo Lamela nació en Buenos Aires pero está instalado en Londres, donde organiza tours temáticos por estos lugares emblemáticos.

La producción de estos episodios está a cargo de Rock.com.ar, una web pionera en Argentina dedicada al rock que ya cumplió 22 años online y edita podcasts desde el 2002.


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En el episodio de hoy de Rock is here vamos a visitar la estación Marylebone, donde se filmaron algunas escenas del film “A hard day’s night”. Todo el barrio Marylebone tiene una gran conexión con el universo Beatle. La estación está ubicada en Melcombe Place y Great Central Street. La mejor manera de llegar hasta ahí es con el subte, específicamente con la línea Bakerloo, la marrón. “A hard day’s night” fue filmada en este lugar. Es el primer largometraje de The Beatles, dirigido por Richard Lester en 1964. En la historia, el tren parte de la Plataforma Nº1, que ahora luce bastante diferente a raíz de la modernización de la estación. Pero hay otros elementos que se reconocen fácilmente. Por ejemplo, la calle del costado de la estación se llama Boston Place, que es como un callejón largo, pegado a la terminal. Por ahí se escapan corriendo John, George, Paul y Ringo, perseguidos por las adolescentes que quieren atraparlos. Y es ahí mismo donde Harrison se pega flor de golpe, en una escena que resultó tan natural… porque en realidad no estaba prevista y realmente se tropezó y cayó de cara al piso. En la peli se puede ver la carcajada de sus compañeros de banda. El techo de la entrada de Melcombe Place está casi idéntico, a más de 50 años de la filmación. Esa estación de ferrocarriles y subtes fue inaugurada originalmente en 1898, para los trenes que unían Londres con Manchester y Nottingham, entre otras ciudades. El tráfico ferroviario decayó bastante en la segunda mitad del siglo pasado, al punto que Marylebone corrió peligro de ser cerrada definitivamente. Por suerte, se mantuvo vigente y casi intacta, con sus muros color ladrillo y techos oscuros, a dos aguas. Además, te sumo un bonus track de la estación Marylebone: acá es donde George conoció a su primera esposa, Patty Boyd. Patty sería años después la mujer de Eric Clapton, quien le sirviera de musa inspiradora para un clásico del guitarrista: “Layla”.


En este capítulo de Rock is Here visitamos dos lugares donde funcionó el Marquee Club, quizás el lugar más importante de la escena británica durante décadas. La Oxford Street es una de las calles comerciales más famosas del mundo. En su momento llegó a ser la principal entrada y salida de la ciudad de Londres. Pero, además, tuvo otra importancia histórica: en el número 165 funcionó el primer Club Marquee, fundado en 1958, originalmente como Club de Jazz. Por ese lugar pasaron los principales artistas de la época. Incluso, ahí debutaron The Rolling Stones, en julio de 1962. El Marquee funcionó en la Oxford Street hasta 1964. La última banda que pasó por ese escenario fue The Yardbirds, con Eric Clapton en la guitarra. Como muchos otros lugares de esta avenida, el 165 fue derribado para darle paso a nuevos edificios…  ahí construyeron oficinas, al lado de las tiendas Marks & Spencer. En el ‘64, el Marquee se mudó unas cuadras hacia el sur y se instaló en el 90 de Wardour Street, en pleno Soho. Ahí, en un edificio con ladrillos a la vista y un gran portón negro, funcionó durante 24 años este escenario emblemático, que daría lugar al crecimiento de artistas legendarios, como por ejemplo Jethro Tull, Queen, David Bowie, Cream, Pink Floyd, Elton John, The Who, Yes, Led Zeppelin, King Crimson, Genesis y muchos otros. Hasta ahí podés llegar en subte. Bajate en la estación Totthenham Court Road, con la línea Central o con la Northern, que te dejan a unas seis cuadras. Arriba del portón de entrada de lo que ahora es un edificio de departamentos vas a encontrar una plaqueta redonda, azul, en homenaje a Keith Moon, el histórico baterista de los Who, fallecido en 1978 con tan solo 32 años, luego de una sobredosis de tranquilizantes. A fines de los 80s, el Marquee volvió a mudarse, aunque ya nunca más conseguiría estar a la altura del prestigio ganado en las décadas anteriores.

Te espero en el próximo episodio. Nos despedimos con “Who are you”, de The Who, un disco lanzado en 1978 apenas días antes del fallecimiento de Keith Moon. Tracks incluidos: “Who are you”, The Who “Oxford Street”, The Monks “The width of a circle”, David Bowie “Come on”, The Rolling Stones “A certain girl”, The Yardbirds “Good times, bad times”, Led Zeppelin Firth of fifth”, Genesis “Living in the past”, Jethro TullTrick of the light”, The WhoDragon attack”, Queen.


En este podcast de Rock is Here vamos a conocer los Trident Studios, donde se grabaron discos inolvidables de grandes artistas, desde The Beatles a Bowie, pasando por Queen, Genesis o Lou Reed. Hoy te invito a que caminemos por el Soho londinense. Prácticamente a la vuelta de Soho Square Gardens vas a encontrar un callejón peatonal, bastante angosto, que se llama St Anne’s Court. No tiene más de un par de cuadras de largo y, entre algunos negocios comerciales y boliches para comer algo, vas a ver la puerta del número 17. Ahí funcionaron los estudios Trident, entre 1968 y 1981. ¿Y qué tenía este estudio de particular? Nada menos que una consola de grabación de 8 canales. Para que te des una idea, el famoso estudio Abbey Road de la compañía EMI tenía una consola con apenas 4 canales. Y además, el Trident estaba equipado con el sistema Dolby para reducción de ruidos. Todo un avance tecnológico para la época. Estos estudios fueron utilizados también por Apple Records, la compañía discográfica fundada por The Beatles, para grabar a alguno de sus artistas. Por ejemplo a Billy Preston o a James Taylor. Otros artistas que también pasaron por acá: Supertramp, con “Crime of the Century”; Jeff Beck, con “Wired”; los Stones grabaron parte de “Midnight rambler”...  Sigue la lista: Judas Priest, Lou Reed con “Transformer”; Elton John, quien grabó su segundo disco y muchísimos clásicos... El Genesis de Peter Gabriel registró en Trident nada menos que los discos “Nursery Crime”, “Trespass”, “A trick of the tale” y “Wind and Wuthering”... Tres de los Beatles también usaron estos estudios para sus carreras solistas. Ringo registró su hit “It don’t come easy”, Lennon grabó “Cold turkey” con la Plastic Ono Band y George inmortalizó partes de su disco triple “All things must pass”. Como te decía, los estudios Trident funcionaron ahí hasta 1981. Actualmente, funciona una productora audiovisual, pero mantiene una placa recordatoria, arriba de la puerta, en homenaje a David Bowie. Y quizás un dato que no sepas: los propios Beatles grabaron acá algunas tomas para sus famosísimos “Álbum Blanco” y para el disco “Abbey Road”, como por ejemplo “I want you (She’s so heavy)” o “Dear prudence”.

Gracias por escucharnos. Nos despedimos con “Suffragette City”, del disco “The Rise and Fall of Ziggy Stardust”, grabado justamente en Trident en 1971 por David Bowie. Tracks incluidos: “Ziggy Stardust”, David Bowie “Cygnus X-1 - Book Two: Hemispheres”, Rush “Seven seas of Rhye”, Queen“Walk on the wild side”, Lou Reed “Something in the way she moves”, James Taylor “Your Song”, Elton John “The Musical Box”, Genesis“My sweet Lord”, George Harrison “Space Oddity”, David Bowie “Dear Prudence”, The Beatles “Suffragette City”, David Bowie


En este episodio de Rock is Here visitamos un club con una larguísima lista de recitales y que tiene la particularidad de unir la historia de Eric Burdon con la de Jimi Hendrix y con la de The Beatles: el Ronnie Scott’s Jazz Club. Estamos en pleno Soho londinense, en el 47 de la Frith Street, a unos 500 metros de la estación Tottenham Court Road, a la que podés llegar con las líneas Central o Northern del subte. Ahí está este famosísimo club de conciertos que se llama Ronnie’s Scott’s Jazz Club. Este club se había instalado originalmente a unas pocas cuadras hacia el sur, pero en ésta sede actual que visitamos dio su última presentación en vivo nada menos que Jimi Hendrix, el 16 de septiembre de 1970. Esa noche, la anteúltima de su vida, subió al escenario del Ronnie Scott’s Jazz Club para tocar junto a War, la por entonces nueva banda del ex Animals, Eric Burdon. Durante bastantes años se dudó sobre la veracidad de este dato y en muchas oportunidades se lo consideró casi un mito urbano. Pero no solamente lo confirmó Ron Wood (el bajista de los Stones) que estaba entre el público, sino que también aparecieron algunos bootlegs de esa noche. Ronnie Scott fue un saxofonista de jazz que formó varios grupos, pero es recordado principalmente por haber fundado este club en 1959. Y otro dato clave en su vida artística, aunque quizás menos conocido, es que Scott fue invitado a tocar su saxo en el solo de “Lady Madonna”, el clásico de The Beatles editado como lado B de un simple de 1968... Varios discos fueron registrados en vivo en este escenario. Principalmente, de artistas de jazz. Entre ellos, Curtis Manfield, Chet Baker, Nina Simone y la gran Ella Fitzgerald. Y también otros más rockeros, como Jeff Beck, Charlie Watts y Van Morrison, entre otros. Ronnie Scott murió en 1996, a los 69 años, pero el club aún hoy permanece abierto y es uno de los sitios más frecuentados y reconocidos de la música en vivo en Londres, con buenos tragos y comida, y que tiene shows programados prácticamente los 7 días de la semana.

Y justamente, para la despedida escuchamos "Lady Madonna", pero acá vamos con la versión incluida en la recopilación "Anthology", una mezcla en la que se luce mucho más el saxo de Ronnie Scott que en la versión original. Tracks incluidos: "See See Rider", Eric Burdon & The Animals "Little Child Running Wild", Curtis Mayfield Live at Ronnie Scott's "She Stole My Heart Away", Eric Burdon & The Animals featuring Jimi Hendrix 


En el episodio de hoy vamos a visitar una esquina del barrio Camden Town que sirvió de escenografía para una entrevista a los líderes de Led Zeppelin. Camden Town es uno de los barrios más famosos de Londres. Muchas veces llamado “la capital del rock alternativo de Gran Bretaña”, esta zona tiene decenas de tiendas, bares, restaurantes y pubs, que se mezclan con otros lugares más históricos y tradicionales, como el Regent’s Park, el Regent’s Canal y el famoso mercado. En uno de los cruces de avenidas más importantes de la zona, justo enfrente de la estación Camden Town de la línea Northern, se juntaron en 2004 Jimmy Page y Robert Plant para grabar una entrevista que sería incluida en un DVD. Pero empecemos desde el principio. Los MTV Unplugged son conciertos organizados por esa cadena televisiva, en la cual se invitan a músicos de varios estilos a tocar sus mejores canciones en versión acústica. Por el ciclo, como seguramente sabrás, han pasado artistas consagrados, como Paul McCartney, Eric Clapton, Nirvana y muchísimos más. En 1994 la invitación le llegó a Jimmy Page y Robert Plant, la dupla creativa de Led Zeppelin. Luego de algunas negociaciones, se decidieron a unir fuerzas y encararon lo que sería el lanzamiento del exitoso disco “No quarter”. Zeppelin terminó por separarse luego de la muerte de su baterista John Bonham, en 1980. Si bien en el ‘82 editaron “Coda” (por contrato tenían un disco pendiente), éste trabajo resultó un rejunte de canciones inéditas y descartes anteriores, porque habían tomado la decisión de no grabar nunca más sin Bonham. Robert Plant comenzó su carrera solista y Jimmy Page se juntó con Clapton y con Jeff Beck para varios trabajos conjuntos. Los ex-Zeppelin se presentaron en vivo un par de veces, pero la decisión definitiva ya estaba tomada. Uno de esos reencuentros fue durante el megaconcierto benéfico Live Aid, en 1985. Y así llegamos a 1994, cuando la MTV les propuso a Jimmy Page y a Robert Plant participar de los Unplugged. Así fue que se juntaron, sin convocar a John Paul Jones, el bajista original. Grabaron un disco y lo tocaron en televisión, junto a varios hits de Zeppelin, en formato casi acústico. El éxito fue tan grande que iniciaron una larguísima gira mundial, presentando "No Quarter": Jimmy Page and Robert Plant Unledded". En el 2004, para celebrar el décimo aniversario de "No Quarter Unledded", produjeron un DVD con material inédito que había quedado afuera de la edición original, y también incluyeron una entrevista a Page y Plant, que fue grabada en plena calle, donde se cruzan Camden High Street con Kentish Town Road y Greenland Road. Pleno centro de Camden. En la charla explican las razones que los llevaron a reunirse luego de 14 años de separados como Led Zeppelin, cómo eligieron las canciones para el disco y cómo fue que incorporaron esos sonidos y arreglos de Marruecos y Medio Oriente.

Llegamos al final de este nuevo capítulo. Te espero en la próxima. Para el final, por supuesto, un fragmento del DVD "No Quarter: Unledded" Los tracks incluidos: "No quarter" "Nobody's Fault But Mine" "The Battle Of Evermore", MTV Unplugged "The rain song", MTV Unplugged "Darlene" "Rock and roll", en el Live Aid "Kashmir", MTV Unplugged "Since I've Been Loving You"

viernes, 15 de marzo de 2019

CD 223 – Eduardo Galeano: “Amares” (I)


Me desprendo del abrazo, salgo a la calle.

En el cielo, ya clareando, se dibuja, finita, la luna.

La luna tiene dos noches de edad.

Yo, una.

(La Noche / 2)

(Fuente: Eduardo Galeano. Amares. Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores. Argentina, 2018)

(Para cambiar de track presione >>)


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Producción General y Edición: Blanca Curia